Перейти к содержанию

Добро пожаловать в сообщество творческих людей - ARTTalk.ru!

Уважаемые пользователи, если вы были зарегистрированы ранее, вам необходимо пройти процедуру восстановления пароля с помощью адреса электронной почты.

Для новых пользователей доступна регистрация.

Тема для обсуждения новой версии сообщества.

Если возникают какие либо проблемы с восстановлением старого аккаунта, вы можете воспользоваться формой обратной связи.

RIDDICK

Основы рисования в Фотошопе by Vakhara

Рекомендуемые сообщения

Основы рисования в Фотошопе

 

Если у вас нет возможности потратить минимум несколько лет на тщательное и кропотливое обучение рисованию, а затем подробнейшее освоение возможностей редактора, и рисовать все равно хочется... Возможно, эти советы для начинающих помогут вам хотя бы избежать выносящих мозг картинок и сэкономить немало времени в наступании на грабли.

 

Эти советы возникли совершенно спонтанно и неожиданно. Последнее время я все чаще и чаще сталкивалась с людьми, которые хотят рисовать, но находясь еще в самом начале пути, допускают, порой, роковые ошибки, которые в дальнейшем влияют на их развитие. Конечно же, рано или поздно, те, кто действительно задается целью научиться рисовать достаточно терпимо или даже более того, разбираются в своих ошибках, находят правильные решения, читают множество книг и статей. Но этот процесс может занять куда больше времени, чем хотелось бы. И именно поэтому я решила написать советы, которые помогли бы увидеть или избежать некоторые ошибки сейчас, а не ждать случайности через месяц или даже год, когда уже выработается привычка рисовать именно так и ничего менять не захочется, а желание рисовать лучше будет недовольно терроризировать мозг.

 

Эти советы предназначены для тех, кто только-только вооружился планшетом. Но, возможно, и те, кто уже умеет немного рисовать, найдут здесь для себя что-нибудь полезное. Это первая часть советов, объединяющая в себя наиболее основные и самые-самые-самые.

 

Скажу сразу - учить все равно основы надо! Но если у вас нет времени или возможности, то у вас есть два варианта: не рисовать вообще или учиться в процессе. Если вы выбрали второе, то смело читайте дальше.

 

Помните, что все, что будет вам запрещено, конечно же, можно использовать, но делать это нужно лишь тогда, когда вы понимаете, что с этим делать, иначе шишки от грабель будут расти, а результата никакого не будет.

 

СОВЕТ 1. Стандартные кисточки в виде травы, звездочек и прочей ерунды - это зло для вас на ближайшие первые несколько месяцев общения с планшетом и фотошопом.

 

Это зло по крайней мере до тех пор, пока вы не уясните, что прекрасно можете обходиться и без них. А пока что, строго настрого запоминаем, что первые месяцы вашего тесного общения с планшетом, вашей единственной кистью должна быть... стандартная круглая твердая кисть. Ладно, она может быть квадратной, прямоугольной и, вообще, неважно какой формы. Твердая. Не мягкая.

 

Мягкая кисточка, конечно же, тоже полезная, но для начала о ней лучше всего забыть или, если вы все же покусились ей немного порисовать, делать это в малых дозах и оставлять в качестве приоритета пока что твердую кисть. За пару лет я услышала столько фраз типа "если бы мне кто-то это сказал", что я однозначно уверилась, в правильности данного совета. Так что - верьте мне! Или… забейте. Дело ваше.

 

Многие художники со временем делают (или заимствуют у других) для себя базовые кисточки. Обычно они имеют рваные края, чтобы лучше происходило смешивание. Но для вас это все сейчас совершенно не нужно. Забудьте о всяких таких кисточках, которых полным-полно в интернете. Научитесь хотя бы немного владеть круглой жесткой, а уже потом усложняйте.

 

Если желание использовать другие кисти слишком велико - заходим в фотошоп и удаляем все кисточки за исключением твердой круглой... ладно и еще мягкой, и забываем все известные способы создания кисточек. На время, конечно же.

 

Вам срочно нужна трава, листики и бабочки? Так в чем же дело? Рисуйте!

 

СОВЕТ 2. Вашим первым рисунком или ближайшим следующим, если вы уже рисовали, должна быть не ваша любимая кошка, собака, брат, сестра, мама, папа, а... тоновая растяжка.

 

И.. нет, не для тренировки нажима пера и ровности линий, а для того, чтобы научиться делать плавные переходы. Большинство начинающих художников страдают тем, что попросту не знают, как смешивать цвета и сглаживать плоскости. И, конечно же, самым простым и быстрым решением оказывается использование мягкой кисти, а это, в свою очередь ведет к ужасным результатам, которые приводят потом особо слабонервных художников к психологическим травмам Ладно, последнее это шутка, но факт остается фактом. Поэтому, прежде чем начать рисовать, желательно или даже нет, обязательно, нужно выучить одну простенькую, но безумно полезную технику.

 

Итак, из вот этого:

 

001.jpg

 

Мы получим вот это:

 

002.jpg

 

Итак, самый оптимальный и удачный способ смешения цветов и создания плавного перехода - это использование твердой кисточки так как она позволяет создавать множество переходов и сохранять "четкость" рисунка, которая придает ему живость. Мягкая кисточка позволяет, казалось бы, делать более плавные переходы:

 

003.jpg

 

Но такая гладкость редко когда идет на пользу. Она удачна для создания общего объема заднего плана, но как ни крути, если внимательно присмотреться, то видно, что остается ощущение размытости, а когда этот способ применяется на рисунке, например, портрет вашей сестры, то все выглядит еще намного хуже.

 

Вам, конечно же, решать, какой вариант вам нравится больше и, в идеале, нужно уметь пользоваться обоими, но нужно знать, когда можно использовать мягкую кисть, а когда лучше НЕ стоит. А пока мы это еще плохо знаем - самый лучший вариант слушать умных теть и дядь, которых я трясу как спелое дерево, и делать как говорят они.

 

Итак, приступим к нашей растяжке.

 

Для того, чтобы сделать такую простую растяжку нужно вооружиться жесткой круглой кисточкой. Лично я предпочитаю для базовой кисти отключать реакцию пера на нажим, которая бы определяла толщину линии, а вот реакция на прозрачность - самое то. Но это уже на любителя. С настройками фотошопа, полагаю, подружиться может каждый, если не будет сильно лениться. А я буду рассказывать о другом.

 

1. Итак, берем черный цвет и закрашиваем им половину нашего рисунка. Ну или приблизительно ту часть, которая по вашему мнению будет являть собой... тень.

 

004.jpg

 

2. Теперь мы берем и понижаем параметры Opacity и Flow у кисти (они расположены вверху в меню) приблизительно до 40-50%. Чем меньше значение Opacity - тем прозрачнее будет наш цвет и если провести линию, то через него будет просматриваться еще и нижний слой цвета. По сути дела Opacity можно сравнить с плотностью краски. Чем выше значение - тем выше укрывистость. Значение Flow определяет плотность "потока". Грубо говоря, комбинируя эти два параметра можно добиваться разных эффектов от кисти, не влезая в другие ее настройки. Но вернемся к нашим баранам.

 

Итак, выбранным черным цветом мы наполовину закрашиваем белый цвет. Причем сделать это надо одним движением, не отрывая перо. Если оторвать, то предыдущий мазок накроет уже нарисованный и произойдет смешение там, где нам это не нужно. Теперь берем пипеткой новый получившийся цвет и закрашиваем им наполовину черный цвет. В результате у нас получится что-то вроде этого:

 

005.jpg

 

3. Далее мы уменьшаем диаметр кисти, ну думаю, понятно почему? И берем полученный цвет слева (на белом) и закрашиваем им наполовину белый цвет, а затем то же самое делаем и с черным. И у нас получается что-то вроде этого:

 

006.jpg

 

4. Полагаю понятно, что делаем дальше? Мы начинаем идти слева на право или справа на лево (уж кому как удобнее) и, беря цвет, закрашиваем наполовину соседний. Затем берем оставшийся кусок незакрашенного цвета и закрашиваем следующий кусок наполовину и т.д. В общем-то, мы собственно сделали что-то вроде растяжки.

 

007.jpg

 

Она местами кривая, но я делала ее исключительно лишь для примера техники.

 

5. Теперь мы уменьшаем Opacity до 15-30% - это уже зависит от личных приоритетов, я, к примеру, использую в пределах 20% обычно или больше, если работает режим нажима у пера для кисти, и продолжаем делать все то же самое. Снова и снова. Вообще, этот урок сделан исключительно для тренировки. В результате него вы сами сообразите как вам лучше создавать переходы. Какой нажим выбирать, как накладывать цвета. А это все лишь поможет понять. Прямо вот так вот извращаться вы вряд ли будете, но порой и такое понадобится.

 

В результате у нас получится что-то вроде этого:

 

008.jpg

 

Как только вы разберетесь с этим простым заданием, советую вам в будущем стараться переводить Opacity и Flow на нажатие пера. И учиться работать таким образом. Во-первых, это как минимум сократит ваше время на постоянные отвлечения к смене параметров, а во-вторых вы научитесь более тонко манипулировать нажимом в процессе рисования, что само по себе уже круто!

 

Теперь обсудим цветовую растяжку. Здесь все по сути дела так же. Вот только растягивать можно двумя способами. Точнее не так. Способ все тот же, но действия немного другие и результат.. разный.

 

Вариант 1. Переход от одного цвета к другому, минуя промежуточные цвета. Этот способ подобен ч/б растяжке один к одному.

 

009.jpg

 

Однако, он не очень хорош для случаев, когда цвета находятся далеко друг от друга на цветовом круге. Да и, как видите, цвет в месте смешивания "проваливается" в серый, что порой не очень хорошо для рисунка и в дальнейшем может привести к "грязи", но может оказаться удобным для заднего плана, где цвета должны быть менее насыщенными, чем передний план.

 

Вариант 2. Переход от одного цвета к другому через промежуточные цвета в цветовом круге. Здесь суть такая же самая, но мы добавляем цвета, которые находятся между нашими двумя основными. Я не буду объяснять, что такое цветовой круг и что значит промежуточный цвет. Почитайте теорию цвета и вы найдете очень много полезной информации. Со временем вы научитесь добавлять сразу несколько промежуточных цветов в процессе смешивания. По сути дела рисование так и происходит - добавлением и смешением разных цветов. Открыла Америку, да? Но сейчас мы попробуем это сделать простым способом для того, чтобы вы поняли, как все это работает.

 

Итак, сначала мы делим наш рисунок пополам на Желтый и Фиолетовый. Затем открываем палитру и берем цвет где-то на середине между этими цветами, и с Opacity 50% закрашиваем наполовину желтый и наполовину фиолетовый цвет. Вуаля и мы получаем два промежуточных цвета.

 

010.jpg

 

Ну а дальше уже знакомым путем делаем растяжку.

 

011.jpg

 

А теперь самое интересное! Откройте палитру и пройдитесь пипеткой по всей растяжке. Сначала по первой, а потом по второй. Правда интересно? Мы идем по все тому же диапазону, НО во втором случае цвета более насыщенные и яркие. И это здорово, правда? Добавив промежуточный цвет, мы сделали нашу растяжку более живой и это было совсем не сложно.

 

Помните об этом и ваши рисунки сразу станут более живыми. Это, конечно же, сложно реализовать сразу, но со временем вы наловчитесь и все получится. Главное помнить об этом, когда вы рисуете.

 

Один начинающий художник попросил меня сделать видео растяжки, так как простых шагов было для него мало. Он впервые держал в руках перо и никогда не работал с фотошопом. Я записала небольшое видео, которое показывает, как я делала подобные растяжки. Все очень просто, но такая тренировка работы с пером на самом деле очень полезная особенно при работе с цветом. Было бы замечательно, если бы при выполнении вы установили бы Opacity и Flow на нажатие пера. Кстати, в таком случае вам не придётся сильно низко опускать эти параметры. Это видно на видео. Я практически все время использую Opacity 50%.

 

 

СОВЕТ 3. Инструмент Палец (Smudge Tool) нужно использовать крайне редко и ни в коем случае не для смешивания цветов!

 

 

Довольно часто начинающие художники, не зная про то, что цвета можно смешивать благодаря Opacity и Flow, начинают смешивать, казалось бы, единственным доступным способом - инструментом палец. А потом это настолько входит в привычку, что даже замечания типа "не используйте палец", "видно, что юзали палец", "сильно размыто" и т.д. уже не могут их заставить переучиться. И ежик, продолжая плакать и колоться, лезет снова и снова на кактус, пока не наступает локальный криз и человек попросту перестает слушать, что ему говорят.

 

Так вот, чтобы этого не произошло - говорю сразу. Исключаем палец как таковой на ближайшее будущее вообще. Им удобно делать маленькие хитрости, подправляя или искажая линии. Но им вовсе неверно смешивать цвета. Потому что эффект будет как... правильно, как пальцем размазали краску.

 

В качестве примера приведу вот такую маленькую картинку. Кружочки сильно маленькие, но суть должна быть понятной. Из опрошенных мною людей, которые не связаны с рисованием и не разбираются чем и как выполняли смешивание, большинство остановилось в привлекательности на варианте 4. Что, собственно и верно.

 

012.jpg

 

Рисунок 1. Это база цветов. У нас есть круг, набросанная тень и свет. По сути дела мы просто имеем три пятна, которые нам нужно смешать.

 

Рисунок 2. Как видите, результат получился неплохой, но размытый. А при больших размерах изображения мы получим просто одно сплошное "мыло". Такое смешение цветов происходит при использовании мягкой кисти или при использовании пальца с настройками мягкой кисти. На рисунке побольше можно увидеть, как смешиваются цвета пальцем. Как видно, у нас просто происходит заблюривание линии и отсутствуют практически какие-либо промежуточные цвета.

 

013.jpg

 

Рисунок 3. Здесь все совсем плохо. Смешивание в этом круге я производила при помощи пальца с настройками твердой кисти. К сожалению, очень многие начинающие художники используют такой вариант и это ужасно, поверьте. На варианте побольше можно увидеть, как страшно все выглядит. Конечно, многие умельцы умудряются довести использование пальца до совершенства, но практически единицам удается сделать так, чтобы работы не отдавали "эффектом пальца".

 

014.jpg

 

Рисунок 4 - ну а здесь мы смешивали при разных значениях Opacity обыкновенной твердой кисточкой. Как видите, вариант выглядит более объемным из-за того, что у нас в результате смешивания получилось намного больше оттенков и переходов. Ну и само собой, видно какое сильное отличие и преимущество у этого способа перед другими.

 

015.jpg

 

Подводя итоги, повторюсь – никогда не используйте палец для смешивания цветов.

 

СОВЕТ 4. Как бы вы ни хотели не учить теорию цвета - вам придется это сделать рано или поздно, но некоторые правила нужно просто выучить сразу же.

 

 

Итак, освоив самое главное - смешение цветов, мы смело отправляемся в бой и рисуем-рисуем-рисуем. Конечно же, на теорию цвета мы забиваем потому что там очень много читать, да и вообще, зачем нам это надо? Ага... А потом, когда, казалось бы, мы уже можем более-менее симпатично рисовать, мы вдруг неожиданно слышим для себя "мало цветов", "все однотонное", "если тени теплые, то свет холодный", "грязь" и так далее. И мы тут же впадаем в ступор/панику/печаль/отторжение (нужное подчеркнуть). Ведь как же так! Как так?? Так, да не так. Про теорию цвета мы то забыли. А не зря ведь о ней столько написано.

 

Писать здесь то, что уже описано сотни тысяч раз я не буду. Советую набрать вам в поиске "Теория цвета" или "Основы цветоведения" и прочитать одну полноценную статью. Конечно же, с первого раза вы ничего не запомните. У вас в голове отложится только базис в виде того, что есть цветовой тон, светлота (тон), свет, тень, полусвет, полутень, рефлексы, блики, насыщенность, тепло-холодность, ну, и еще небольшой списочек.

 

Ну а далее вам просто стоит выучить совсем простые правила, которые стоит помнить и держать в голове каждый раз, когда вы рисуете. А так же помнить, что все они взаимосвязаны! Со временем вы просто начнете их применять, не задумываясь о формулировках, а просто будете чувствовать и знать, что так надо. Возможно, вы найдете свой путь постижения теории цвета. Но пока это все впереди - просто запомните следующее и вам будет намного проще.

 

Изменение цвета по форме предмета.

 

1. По светлоте:

- Светлый цвет, удаляясь, темнеет.

 

016.jpg

 

- Темный цвет, удаляясь, светлеет.

 

017.jpg

 

2. По насыщенности: удаляясь, цвет по насыщенности гаснет, слабеет.

 

018.jpg

 

3. По теплохолодности:

- Холодные цвета, удаляясь, будут теплеть.

 

019.jpg

 

-Теплые цвета, удаляясь, будут холодеть.

 

020.jpg

 

4. На свету цвет светлее, в тени - слабее и распределяется по полутонам.

 

021.jpg

 

5. По теплохолодности - если вы выбрали теплый свет, то тени будут холодными. Если вы выбрали холодный свет - тени будут теплыми.

 

6. Цвет в тени по насыщенности "зажигается". То есть становится более насыщенным.

 

Эти правила мне очень пригодились, так как простая фраза "чем дальше предмет - тем ниже на ней контраст" в свое время вводила меня в ступор, но когда я разобралась с правилами, я полностью поняла суть сказанного. Надо сказать, что правила придумала не я. Они взяты из одной прекрасной статьи о Основах цветоведения, где на совсем примитивном уровне раскрыт данный вопрос. Я советую прочитать ее всем, но не забыть, в дальнейшем, обязательно ознакомиться и с классическими объемными теоретическими выкладками.

 

Ну а чтобы было понятно для тех, кто не в курсе, как на палитре в Фотошопе изменяется светлота и насыщенность, то я приведу вот такую картинку, которая поможет вам сориентироваться. С тепло-холодно нужно действовать по обстоятельствам и помнить, что холодными считаются синий и зеленый, а теплыми - красный и желтый.

 

022.jpg

 

Все? Ну, практически да. Главное помните, что цвет обманчив. Если вы читали теорию цвета, то поймете о чем я говорю. Например, серый в окружении красного будет выглядеть как голубой, а коричневый среди зеленых цветов - красным и т.п. Поэтому знайте теорию, но не забывайте видеть то, что вы рисуете.

 

СОВЕТ 5. Не используйте инструменты Burn и Dodge для создания теней и света.

 

Совет прост. Куда уж еще проще. Инструменты Burn и Dodge одинаково и полезны и вредоносны. Их удобно использовать для создания резких бликов, капель воды, рельефности, текстурности, или для спецэффектов, но уж что точно нельзя делать при их помощи - это тени и свет. Ладно, если со светом проблема не столь очевидна, то поголовное использование Затемнителя для теней иногда вводит меня в уныние. И ведь художник, порой не сразу, понимает, что все так плохо. Но почему плохо-то? Если вам действительно интересно, то продолжайте читать дальше. Ну а если нет - просто запомните: для создания теней используйте все ту же основную кисточку. Ну а в нашем случае, на первом годе жизни в качестве художника, этой кисточкой является круглая жесткая.

 

Итак, почему же использовать Burn плохо? Дело в том, что свет и тень, да и, собственно, сам цвет предмета порой, под воздействием окружающей среды, приобретает иной оттенок, отличный от базового. Существует большое множество нюансов относительно теней, но об этом мы поговорим с вами позже. Сейчас же нам нужно знать лишь то, что Burn и Dodge не являются палочкой-выручалочкой и все что они делают - это изменяют насыщенность цвета в то время как нам необходимы так же изменения цвета и светлоты, которые мы при таком варианте не получим вовсе.

 

Рассмотрим пример использования Burn для создания теней и сравним его с тенями, созданными при помощи жесткой кисточки.

 

В качестве примера используем уже знакомый нами шарик (рис.2), который мы получили из рис.1 путем смешивания наложенных базовых цветов. При помощи Burn мы усилили тень, ну а свет добавили при помощи Dodge (рис.3). Ну а на последнем рисунке (рис.4) мы воспользовались дополнительными цветами для света и тени, а так же использовали жесткую кисточку.

 

023.jpg

 

Теперь откроем цветовую палитру и пройдемся пипеткой по основным цветам у шарика, полученного методом Burn и Dodge.

 

024.jpg

 

025.jpg

 

026.jpg

 

И что мы видим? А видим мы то, что тень стала насыщеннее, но это и все. Диапазон использованных цветов критически мал. Такие работы частенько называют "зажаренными" потому что они выглядят действительно, словно слегка зажарившиеся в печке рисунки. Никакого "упоминания" окружающего освещения на нашем шарике.

 

Теперь снова вооружимся пипеткой и проверим наши цвета на последнем, правильном варианте.

 

027.jpg

 

028.jpg

 

029.jpg

 

030.jpg

 

Как вы видите, в свете у нас появились, казалось бы, совсем незаметные визуально зеленые цвета, в то время как тень стала более красной. Со стороны шарик выглядит куда более насыщенно, чем раньше, но при этом нет ощущения зажаренности потому что мы старались делать правильно. Не идеально, конечно, но суть должна быть более чем ясна.

 

Ну а теперь отвлечемся от шаров и рассмотрим все то же самое, но на примере наброска, который нам любезно предоставила Sandlady.

 

031.jpg

 

Рисунок 1. Это базовый набросок, на котором разбросаны цвет и светотени.

 

Рисунок 2. Решив показать, что бывает, когда используют мягкую кисть, Sandlady аккуратно сгладила все переходы. В итоге мы получили гладенькую, лишенную изъянов кожу. Но если отдельно она еще смотрится нормально, то при большем размере и детализации, у нас получится просто мыло мыльное. Все плоскости и текстурность, полученная в результате наложения цветов пропала, и образовались просто пятна разного цвета. Особенно это заметно в сравнении с Рисунком 4.

 

Рисунок 3. Как обычно бывает у начинающих художников, цвета для света и тени чаще всего берутся согласно базовому. Чтобы показать это, Sandlady специально свела все цвета рисунка к одному тону, а затем, воспользовалась инструментом Burn. В итоге тени насытились, но из-за отсутствия дополнительных цветов у нас получилась зажаренная азиатка. Аппетитной ее явно не назовешь . Скорее болезненной.

 

Рисунок 4. Здесь Sandlady использовала твердую кисточку. Из-за множества мелких граней, которые получаются благодаря простой технике смешивания цветов, лицо выглядит текстурным и объемным. Для сохранения и поднятия контраста, был добавлен немного ярко-алый, который позволил усилить тени вместо использования инструмента Burn, и, надо сказать, результат значительно выигрывает перед своими соседями.

 

Ну, вот и закончились первые пять советов.

 

Подводя итоги, хочу заметить, что приведенные примеры наглядны, но не до конца. На больших полотнах все эти тонкости становятся более заметными. Это как, если маленькое пятно грязи неприятно задевает взор, то большое пятно уже просто портит всю работу целиком. Возможно теперь, когда вы знаете, что именно приводит в рисунках к образованию "пятен", вы примите правильное решение в выборе инструментов для создания теней и света в своих последующих шедеврах.

 

Приятного вам обучения в процессе рисования и не забывайте, что теория все равно важна! Находите для нее иногда время.

 

СОВЕТ 6Ваша работа должна быть единым целым от наброска и до самого конца.

 

Еще одна из распространенных проблем начинающих художников, но которая имеет привычку перерождаться и мутировать настолько, что избавиться от нее становится иногда просто невозможно – это привычка рисовать все по отдельности. Не знаю откуда именно растут ноги у этой проблемы, но мне видятся два варианта: многочисленные уроки, в которых уделяется внимание какому-то одному аспекту, и человек не понимает, что во время этих шагов автор так же рисует и все остальное, и незнание того, как будет выглядеть конечная работа и чего хочет вообще автор от рисунка. Второй вариант самый грустный и при этом самый распространенный. Я и сама сейчас со скрипом переучиваюсь, так как начинала точно так же.

 

Так чем же это плохо? Проблема заключается в том, что на выходе мы получаем, обычно, разбитую на куски картинку, у которой элементы не взаимосвязаны вообще никак. И если проблему с рефлексами от соседних объектов, иногда, еще можно решить, то проблему с сочетанием цветов, порой, решить не так легко. Особенно, когда рисовалось сначала лицо, а потом рука, нога и через неделю дорисовалось тело.

 

Чтобы такого не происходило – продумывайте работу сразу. Если вы сомневаетесь в фоне – задайте ему какой-то определенный цвет. Не так уж и страшно, если фон буде однородным или градиентным, но цветным. Это поможет вам подобрать подходящие цвета и для вашего рисунка. Такие, которые будут находиться в гармонии с фоном. Ну а там, глядишь, и для него что-то придумается.

 

Так же следует помнить, что рисунок необходимо прорисовывать равномерно. Не зацикливайтесь на какой-то одной части тела, а ели замечаете это за собой – срочно бросайте и принимайтесь за остальные части картины, «догоняя» их до убежавшего вперед места. Все мы рисуем обычно по наитию, пользуясь секундными порывами и знаниями. Использовав в одном месте один цвет, мы можем в другом месте через пару часов уже забыть и не добавить его, и в результате у нас получаются разные по цветам, пусть и незначительно, куски рисунка. И вроде бы все прекрасно, но смотрящий со стороны человек, который не пялился по сто часов на рисунок, тут же увидит эту дробность и не забудет о ней сообщить. Да и это не так уж и важно. Важно то, что дробность есть, а быть ее не должно.

 

Ну и третий немаловажный факт, связанный с данным вопросом – это детализация. Здесь мнения расходятся. Кто-то считает, что на первых парах не стоит детализировать вообще. Кто-то наоборот радеет за то, что нужно. Причем это говорят не начинающие или посредственные художники. Оба мнения я слышала от более, чем профессионалов в цифровой, да и вообще живописи. Поэтому решить вопрос с детализацией вам придётся самим. Конечно же, для набросков нет смысла возиться часами над ними, но если вы хотите сделать полноценную картинку, то лично я считаю, что детализация в небольшом количестве не помешает. Но здесь есть одно но. Помните, что детализацией нельзя увлекаться. Детализация в какой-то мере связана с композицией, о которой нужно хотя бы хоть раз почитать и не уснуть в процессе. Главные объекты должны привлекать к себе внимание. Поэтому их делают более контрастными и детализированными. В то время как все остальное должно содержать меньше деталей и меньше контраста. То есть как бы отступать на «задний план». При этом, кстати, главный «персонаж» картины не обязательно должен находиться на переднем плане. Просто он должен привлекать к себе внимание, а если вы равномерно заполните детализацией весь рисунок, то ваш главный объект начнет теряться. Конечно, существуют и другие способы выделить главное и увести от глаза второстепенное, но что касается детализации – стоит помнить, что чем больше деталей и четкости – тем сильнее к этому на фоне остального будет притягиваться взгляд смотрящего. Определитесь, кто главнее на вашем рисунке? Девушка, стоящая у дерева или играющие вдали дети?

 

Подводя итоги, еще раз повторюсь:

1. Работу стоит продумывать хотя бы в общих деталях еще на стадии наброска и ни в коем случае не оставлять фон «на потом».

2. Работу стоит прорабатывать всю сразу и постепенно. Не нужно уделять внимание чему-то одному, забывая об остальном.

3. Детализация хороша, но в меру. Детализируйте только в самом конце, когда работа уже готова и только те места, на которые вы хотите обратить внимание смотрящего.

 

СОВЕТ 7Не забывайте о рефлексах и учитывайте их с самого начала, не откладывая напоследок!

 

Последнее время я довольно часто сталкиваюсь с работами, в которых, как факт, отсутствуют рефлексы. Нередко авторы рисунков даже и не знают, что под этим понимают в искусстве, и что именно необходимо сделать с работой, чтобы работа приобрела эти самые рефлексы. А, поэтому, для начала мы поставим определение этому слову. Итак, рефлекс – это оптический эффект отражённого света, изменение тона или увеличение силы окраски предмета, возникающие при отражении света, падающего от окружающих его предметов.

 

Как не трудно догадаться из определения, рефлексы являются неотъемлемой частью окружения, и когда художник забывает их уточнить на своем рисунке, результат получается неестественным, картонным, плоским, дробным. Рефлексы помогают передать не только богатство цветов и оттенков изображаемой натуры, но и усилит

Поделиться сообщением


Ссылка на сообщение
Поделиться на другие сайты

Да, я многого не знал... :shock: Узнаю свои ошибки... И замыливание с использованием мягких теней, и привычка рисовать все по отдельности.

Спасибо девушкам за такую полезную статью, и спасибо Риду за размещение ее тут, на Arttalk ;-)

Буду наверстывать и срочно переучиваться :o

Поделиться сообщением


Ссылка на сообщение
Поделиться на другие сайты

Замечательная статья!!!Советы ценные и как для новичков и как для продвинутых художников! Спасибо!

Поделиться сообщением


Ссылка на сообщение
Поделиться на другие сайты

Для публикации сообщений создайте учётную запись или авторизуйтесь

Вы должны быть пользователем, чтобы оставить комментарий

Создать учетную запись

Зарегистрируйте новую учётную запись в нашем сообществе. Это очень просто!

Регистрация нового пользователя

Войти

Уже есть аккаунт? Войти в систему.

Войти


×

Важная информация

Мы разместили cookie-файлы на ваше устройство, чтобы помочь сделать этот сайт лучше. Вы можете изменить свои настройки cookie-файлов, или продолжить без изменения настроек. Условия использования