А.В.Иванченко a.k.a. Anry. Указания по рисованию

[leshiy 1]

Великий и ужасный Иванченко Андрей Владимирович a.k.a. Anry делится своим опытом.

 

Рисование можно разделить на два больших раздела - идею и ее реализацию.

 

Из этого утверждения следует, что художник несет в себе две составляющие: собственно, самого художника (человека, который порождает композицию на листе) и ремесленника, который придает рисунку требуемую форму.

 

Идея и композиция, о которой пойдет речь дальше, тесно связаны. Их нельзя рассматривать отдельно друг от друга. Реализация же, в свою очередь, может быть в той форме, которая требуется или технически выполнима. Например, рисунок масляными красками, на компьютере или акварелью отличаются лишь способом исполнения (техникой) и могут изучаться отдельно, как бы дополняя средства выражения, которыми владеет художник.

 

Среди всех законов композиции самыми важными являются следующие:

 

Постулат первый: визуальный центр композиции на листе расположен выше геометрического центра.

 

Почти все эмоциональные реакции и переживания зрителя, художник рассматривает с точки зрения физиологии. Композиция не исключение. Большую часть времени человек смотрит вниз, так, как держать голову прямо, человеку мешает ее масса. Горизонт сдвигается выше и большинство предметов визуально поднимаются. Привычка видеть мир приподнятым порождает у большинства людей психологическую зависимость от этого явления.

 

 

На рисунках показана приблизительная схема расчета центра композиции. Исходя из сказанного выше, достаточно слегка приподнять композиционный центр на работе, чтобы снять со зрителя дискомфорт. Одним словом, свободное пространство внизу рисунка, относительно центра композиции, в рисунке должно быть больше. Немного, но достаточно, чтобы это было заметно.

 

Постулат второй: Ничего не повторяется.

 

Формы, направления, размеры, масштаб, яркость и т.п. Природа не терпит повторов. Даже кристаллическая структура вещества имеет деформирующие линии напряжения. Эрозия почвы и ветер разрушают камни. Линии не могут быть параллельны - они уходят в перспективе. Ветер нарушает регулярность листвы. Плотная атмосфера воздуха создает легкую дымку скрывая предметы. Все эти явления заставляют художника проверять рисунок на отсутствие повторяющихся понятий.

 

 

На рисунке выше хорошо видна структура плетеной циновки и хотя на ней читается повторяющийся рисунок плетения, в эту регулярность внесен хаос из разноразмерных щелей между узлами, отчетливо читается градиент освещения, выбиваются кусочки соломы, в край вплетен шнурок противоположного по яркости оттенка. Узор на ткани и имеет ритм в повторе, но он разрушен за счет блика, изменяющий его яркость и насыщенность. Подобные размышления иллюстрируют второй постулат композиции - отсутствие повторов.

 

Постулат третий: Композиционные массы.

 

 

 

На рисунке сразу бросается в глаза прислонившаяся к стене фигура. Если не вглядываться в детали и прищурить глаза, она будет выделяться единым пятном на фоне лишь слегка намеченной стены. Это иллюстрация к понятию - композиционная масса. Светлое на темном. Большое к малому. Длинное и короткое. Все на рисунке следует разделять на массы, которые были бы хорошо читаемы. На фрагменте справа понятие массы тоже хорошо различимо - светлое пятно лица, к темному фону волос и одежды. Следует внимательно проверять рисунок на присутствие в нем композиционных масс и всячески из подчеркивать, выделяя в процессе работы. Типичной ошибкой была бы контурная обводка вокруг лица. Следует избегать контуров и решать вопросы выделения объектов именно пятнами объектов или элементов на рисунке, которые контрастны друг к другу.

 

Подобная постановка вопроса приводит нас к следующему - идеальная композиция. Традиционно считается, что художник лишь бесконечно к ней движется, но некоторые решения сформировались:

 

 

В примерах выше рассмотрена вертикальная композиция. На первой иллюстрации показана, так называемая, "идеальная композиция". В центре композиции есть элемент, который не повторяет форму листа. Его масса абсолютно контрастна к фону и не совпадает по занимаемому пространству. Направление несимметрично. Вокруг центра композиции достаточно свободного места. Все эти условия помогают читать рисунок не отвлекаясь на соперничающие детали.

 

Рисунки слева, иллюстрируют состояние, когда элементов композиции много. Ни один из них не повторяет ни форму, ни размер, ни направление на листе и образуют воображаемую линию направления в композиции. Это примеры правильного размышления над задачами композиции.

 

 

Эти две схемы показывают неправильный подход к композиции. На первом рисунке отчетливо читается повтор в массах: размере, направлении, яркости и форме.

На втором, изображена типичная ошибка, когда композиция хаотична. В ней нельзя выделить общую идею (направление). Кроме того. Для зрителя некомфортны обрезанные краем листа формы. Считается, что обрезать элементы на рисунке можно лишь по вертикали. Я склонен поддерживать это утверждение. Лучшим решением было бы не допускать обрезки, как по вертикали, так и по горизонтали. Или жертвовать при обрезке незначительными элементами. Эти размышления помогают сформулировать следующее понятие...

 

Постулат четвертый: Главное и второстепенное.

 

Рисунок подчиняется строгому правилу - на нем присутствует смысловой элемент, который замечается зрителем в первую очередь.

 

 

Рисунок выше наглядно это иллюстрирует. Птица сидящая на кресле содержит большее количество деталей, контрастных элементов. Она самая большая по массе и находится на фоне, который достаточно пуст, чтобы не мешать зрителю воспринимать ее, как главную деталь на рисунке. Остальные фрагменты или намного мельче ее, или недостаточно контрастны и по отношению к собственным деталям и к элементам фона. Остальные составляющие рисунка следует рассматривать в том же порядке. От главных, к второстепенным. Постепенно уменьшая их отношения друг к другу.

 

Постулат пятый: Контрасты и нюансы.

 

Контрасты и нюансы во многом определяют порядок, в котором зритель рассматривает детали. Чем контрастнее границы предметов или форм, тем сильнее они привлекают внимание. Чем ярче - тем быстрее они привлекут внимание.

 

Приведем пример:

 

 

Основным контрастом в рисунке будет детализированная к фону фигура, которую можно зрительно разбить на контрастные группы - лицо к темному пятну волос. Светлая обувь к темным камням. Светлая кожа теплого оттенка к холодному фону. Кисти рук и так далее. Рисуя, не следует забывать, что во многом именно отношения светлого к темному отвечают за удобство прочтения на рисунке его фрагментов. Нюансы же, наоборот, должны поддерживать интерес зрителя к основным массам объекта. Узоры на ткани, плетение каймы, швы, мелкие складки - призваны удерживать внимание зрителя на тех или иных контрастных пятнах.

 

Метод размышлений должен быть следующим: зритель должен быстро определить контрастное пятно и рассматривать нюансы деталей на нем, как можно более длительно. Мы будем называть это - чтением рисунка. Чем дольше прочтение рисунка, тем интереснее и проще зрителю его воспринимать. Поэтому по длительности прочтения можно делить художественные произведения по качеству.

 

Постулат шестой: Колорит.

 

Классическим понятием в рисунке является аксиома доминирующего цвета.

 

 

На рисунке выше, доминирующий цвет - оттенки охры и беж. Исходя из предыдущего постулата, море, контрастное по цвету к колориту, будет его цветовой парой. Вообще, смысл цветовых пар - доминирующей и подчиненной поддерживать предыдущее понятие контрастов и нюансов и объединить формы и массы в единый объект. Соединить на рисунке много элементов в единое целое за счет доминирующего цвета. Отвлеченной аналогией может послужить черно-белый рисунок, в котором все объекты едины за счет отсутствия цвета. Такое решение называется - хроматическое. Т.е. бесцветное. Противоположным к нему - ахроматическое - цветное.

 

 

Пример: Рисунок бамбука и зелено-голубой колорит. Вывод: идеальный колорит - приближение к хроматическому решению в рисунке. Хотя это и недостижимо, важно понимать значение доминирующего цвета и грамотно этим пользоваться объединяя на рисунке непохожие объекты и формы в едином колорите.

 

Постулат седьмой: Форма шара.

 

Большинство предметов окружающих человека можно мысленно разбить на сфероиды, которые эту форму образуют. При анализе объекта, следует искать в нем выпуклые поверхности. От правильного понимания формы будет во многом зависеть освещение предмета.

 

Следует запомнить следующую скороговорку: БЛИК (1) --- СВЕТ (2) --- ПОЛУТЕНЬ (3) --- ТЕНЬ (4) --- РЕФЛЕКС (5).

 

 

Эта конструкция дополняется точкой касания предмета (7), которая образует очень плотную тень и падающей тенью (6) предметов. Освещение любого предмета можно разделить на эти составляющие, которые будут определять тип его поверхности, с той разницей, что интенсивность каждого из элементов будет разной.

 

МАТЕРИАЛ ПОВЕРХНОСТИ

 

Понятие материала поверхности можно вывести из правила шара. Интенсивность блика и его размер определяет насколько объект полирован. Для матовых поверхностей он лишь слегка заметен и имеет цвет источника света. Для поверхностей с высокой поглощающей способностью, например, бархата или замши, его не изображают совсем. Металлический же блик, напротив, очень плотный, большой и имеет ореол цвета источника света. Ниже приведена схема рисования металла, где цвет металла определяет ореол блика и ярко выраженный рефлекс.

 

 

При изображени предметов ОБЯЗАТЕЛЬНО следует учитывать рефлексы и думать о них, как о парных:

 

 

На рисунке выше, видно, как предметы взаимодействуют друг с другом, через рефлексы. Пары рефлексов и рисуются тоже парно. Поверхность белой сферы оставляет рефлекс на синей стене и воспринимает от нее отражение. Чем точнее передаются рефлексирующие пары, тем ближе рисунок к реализму, тем более естественным и воздушным он будет казаться зрителю.

 

Резюмируем:

 

Все выше сказанное можно свести к следующей схеме рассуждений:

 

ЗАМЫСЕЛ --- ОПРЕДЕЛЕНИЕ ЦЕНТРА КОМПОЗИЦИИ --- РАЗМЕРНОСТЬ МАСС --- КОЛОРИТ. Эту стадию можно назвать предварительной подготовкой к рисунку. Она обязательна и ее отсутствие приводит к частым ошибкам.

 

ОБЩАЯ СХЕМА ПОСТРОЕНИЯ РИСУНКА (В порядке обязательным к следованию):

 

 

Приведенная схема достаточно полно отражает порядок работы над рисунком. Начинать следует с общей идеи работы, которая будет диктовать порядок изучения материала. Одной из часто упускаемых деталей рисования является сбор материала для работы. Годится все, что позволяет понять натуру, которая будет изображаться: фотографии, просмотр телевизора, книги, эскизы с людей приходящих в гости и так далее. Следует помнить, что художник это не только идеи, но и форма, в которую эти идеи оформлены. От качества формы, во многом зависит, адекватное восприятие рисунка зрителем. Эстетичный и опрятный рисунок поддерживает замысел.

 

Некоторые отвлеченные размышления о влиянии физиологии в композиции приводят к любопытным выводам: Во-первых, человек обладает "широкоформатным" зрением. Угол зрения у человека примерно равен 140 градусам по горизонтали и 90 по вертикали. Наиболее комфортная форма представления композиции - вытянутый по горизонтали прямоугольник, как в кинотеатре. Конечно, это ни в коем случае не отрицает существование вертикального формата, но представление рисунка по горизонтали вызывает меньший дискомфорт. Во-вторых, необходимо избегать ярких оттенков цвета. Особенно ярко-синего. Человек по-разному воспринимает световой спектр и точнее различает оттенки бежевые и светло-зеленые. Ярко-красный цвет и оттенки синего это цвета близкие к границам инфра-красного и ультрафиолетового диапазонов света, которые человек перестает видеть и не различает в них тонких градаций насыщенности.

 

Одним из самых некомфортных для человека цветом можно назвать оттенки желто-зеленой гаммы. Особенно интенсивные по насыщенности. Следует так же избегать сочетаний цветов красного и зеленого. Это цвета, которые называют противоположными. Смешение их дает неприятный грязно бурый оттенок, а располагая их рядом они усиливают друг друга.

 

Отдельного разговора заслуживает рабочее место человека и инструменты для рисования на компьютере. Монитор следует проверять на соответствие к квадратному размеру пиксела. Развертка на аналоговых мониторах может иметь разное разрешение в пикселах, но при этом, соотношение сторон кинескопа остается неизменным. Здесь кроется подвох. Например, если мы нарисуем рисунок в разрешении 1280 на 1024, получившим широкое распространение, то открыв на другом мониторе в другом разрешении или распечатав рисунок мы увидим искажение геометрического размера. Дело в том, что разрешение 1280 на 1024 имеет соотношение сторон 5:4, а аналоговый монитор (согласно стандарту) - 4:3. Обратная ситуация, когда рисунок сделан при правильном соотношении сторон и экранного разрешения и монитора, но, попав на монитор с разрешением 5:4 рисунок будет выглядеть сжатым по вертикали (снизу).

 

 

Значение будет небольшим, но для пропорций фатальным. Для этих целей существуют альтернативные разрешения. Например, 1280 на 960.

 

Следует начинать рисунок, работая на сером нейтральном фоне. Поступая так, художник оставляет для себя диапазон яркости. Например, для бликов. Белый фон слепит человека и тратится время на адаптацию зрения. Когда человек отвлекается от рисунка, смотрит вне монитора и возвращает взгляд назад глазу нужно некоторое время для компенсации, что может вызвать ошибки с колоритом и яркостью. Желательно при этом настраивать цветовые схемы интерфейса, чтобы в них не было ярких цветных пятен, которые отвлекают, и делать десктоп и меню темно-серыми. Работать в среднем диапазоне яркости очень важно.

 

ЗОЛОТОЕ СЕЧЕНИЕ

 

Понятие золотого сечения пришло к нам из Эпохи Возрождения. Художники и философы уделяли много времени теоретическим вопросам композиции и пришли к выводу, что в природе есть система кратности форм и размеров. Если говорить в двух словах, то соотношение сторон 3:2 является для зрителя менее дискомфортным. Приведем простой пример: на листе расположены два предмета, то наиболее естественная кратность размеров будет именно в полтора раза. Это касается не только размеров. Падение насыщенности между предметами, яркость, наличие мелких деталей, направления и углы. Применяя это просто правило художник может не заботиться о поиске отношений между формами. Удивительно, но правило работает.

 

ПРОПОРЦИИ ТЕЛА ЧЕЛОВЕКА

 

Казалось бы сложная тема, подчиняется жестким правилам. Человека можно разделить на несколько пропорциональных основных групп: тело, голова и кисти рук.

 

Пропорции человека подчинены делению на 2 и на 3. Реже встречается деление пропорций на четыре. Рассмотрим фигуру пристальней и попробуем привести наблюдения в таблицу:

 

 

1. Проводим линию построения и определяем точки макушки и касания стоп.

2. Следующим действием находим линию бедер. Это середина тела.

3. Линия коленей будет делить расстояние от бедер до стоп пополам. Бедра у человека длинее, чем голень, поэтому следует принимать во внимание, что деление пополам условное. У разных людей эта граница может немного меняться.

4. Примерно одна пятая от длины голени это подъем стопы. Подъем стопы очень важная величина и включает в себя не только стопу, но и ее переход в голень - подъем.

5. Размер черепа это примерно седьмая часть длины тела. У высоких людей деление можно изменять до значения семь с половиной.

6. Линия плеч - одна третья от линии бедер до макушки.

7. Длина рук доходит кончиками пальцев до середины бедра.

8. Размер ладоней - расстояние от подбородка до надбровных дуг на лице. Примерно две трети от высоты черепа.

9. Плечи у крупного человека равны двум высотам черепа, но обычно эта величина немного меньше.

10. Две шестых высоты тела, которые считаются от макушки - диафрагма.

 

 

Проверка пропорций человека делается по дуге. Следует представлять себе скелет, как систему рычагов у которых есть точка вращения. Мысленно "раскачивая" и проводя линии построения можно проверить положение любой группы костей в пространстве.

 

 

 

Следующим важным моментом в пропорциях человека это рисование и умение строит кисти рук и лица:

 

1. Кисть руки это обязательно деление ее на ладонь фаланги пальцев. Деление это кратное половине длины всей ладони. Причем у людей толстых, длины пальцев обычно меньше ладоней.

2. Следующий важный момент это пропорциональное изменение длин фаланг. Первая фаланга самая длинная и скрывается внутри ладони. Начинаясь от пястья и до костяшек пальцев на тыльной стороне ладони. Вторая - примерно на треть короче. Третья - еще короче на треть. И последняя, четвертая фаланга, самая маленькая. Ногти человека - половина от ее длины.

3. Не следует забывать о подъеме большого пальца.

4. Линия фаланг это дуга. Достаточно сделать линию фаланг прямой и эта грубая ошибка разрушит релизм пропорций, как бы детально рука не была нарисована.

5. Надо помнить, что большой палец короче на одну фалангу и едва достает до третьей фаланги указательного пальца.

6. Рисовать пальцы рук следует выделяя суставы, соединяя их плавными вогнутыми линиями. Чем слабее изгиб, тем руки кажутся моложе. Чем крупнее суставы и сильнее выражены, тем их обладатель кажется старше.

7. В рисовании руки нельзя забывать от запястьи. Его ширина обычно десятая часть от общей длины ладони.

 

 

1. Стоение лица начинается с линии построения. Изгиба лица.

2. Линия глаз это середина лица у взрослого человека вместе с прической. У детей эта линия опускается ниже. Чем ниже, тем младше.

3. Линия носа это середина растояния от линии глаз до подбородка.

4. Линия губ - треть расстояния от линии носа до подбородка.

5. Расстояние между глазами равно размеру глаза и эта линия делится примерно на пять частей. Оставшееся расстояние до границы черепа - виски.

6. Линия ушей это мысленная линия от переносицы до кончика носа. Уши обычно равны величине носа.

 

Рисовать прическу следует вокруг черепа, а не пририсовывая к линии черепа макушку. Важно понимать, что волосы тоже имеют объем.

 

Рекомендуется :

 

Книга Ене Барчаи "Пластическая анатомия для художников". Хорошее методическое пособие по анатомии человека.

Карл Брендерс "Wild Life". Фотореализм в живописи.

Фрэнк Фразетта. Просто поинтересоваться художником. Динамика и пластика в живописи.

Don Seegmiller “Digital Paint” – книжка по Паинтеру и цифровой живописи для начинающих.

 

 

В сети:

 

www.goodbrush.com - Сайт художника Craig Mullins.

 

Если будут вопросы можно воспользоваться следующими координатами:

 

Иванченко Андрей Владимирович a.k.a. Anry.

почта: mail@anry.ru

Спасибо за внимание.

[hron 0]

Le$hiY

спасибо очень полезная инфа, его работы просто супер ;-)

[SwordLord 0]

Классно! спасибо! ;-)

[Melentiev A 0]

Качнул, щас посмотрим))

[timeline 0]

Хорошая и доступная статья. Спасибо

[charlyxxx 5]

Оооо, это нужная вещь, спасибо!!! :clapclap:

[Ann3d 0]

мм) интересно Спасибо что выложили!

[Strogaya 0]

Ооо! Спасибо большое) Поучиться у других всегда полезно.

[sidwill 0]

о да, работы у него классные

и вообще никогда не лишне перечитать и повторить матчасть

[Argon Ramirez 0]

огромное спасибо! имеются у меня работы Anry еще с 1998 года, отличный художник.

[obivan 0]

очень интересно!

[DiHand 0]

все классно, спасибо, как раз то что искал, сам больше по графике был, щас только в цвет полез...

от себя добавлю - барчаи мне не нравится , он слишком медициничен , скажем так и забывает рпо пропорции у него уродские люди с пропорциями до 1к10, роднее немецкая анатомия 1979 года, оч похожая была на то что выдает щас журнал имажинес, редкая штука и без перевода но в картинках оч полезна, особо для тех кто хочет научиться построению даже без натуры,

[aida-wolfess 0]

Распечатала и читаю уроки с форума, в том числе и этот. Уважаемые модераторы, поправьте ошибку в туторе Анри, нельзя вводить в заблуждение неофитов!

 

В статье сказано, что цветное изображение - ахроматическое, а бесцветное - хроматическое. Это путаница в понятиях, на самом деле наоборот.

[Shushilda 0]

Хорошая статья! Спасибо. Лишний раз вспомнить основы не помешало!